音乐制作到底要学什么

从今天开始，我将会在专栏里发布一个新系列，讲解音乐制作和学习音乐制作具体会碰到哪些项目，对音乐制作感兴趣的朋友，无论是业余爱好还是想要从事这一方面职业的，能从这个系列中获得一些有用的信息。

本系列会涉及到一些从制作工具到制作技术等方面的内容，大致的目录如下：

1、音乐制作究竟学的是什么（导言和一些建议）

2、关于设备的建议

硬件设备：电脑、声卡、输入设备、监听软件：音源、第三方混音插件

3、音乐写作和制作实践 —— 流行四件套

键盘写作范例：一般流行的键盘吉他写作范例：扫弦设计贝斯写作范例：低音线和律动设计鼓写作范例：pattern和风格的关系

4、音乐写作和制作实践 —— 弦乐

弦乐写作范例：

配乐里的弦乐：动作冒险场景、抒情场景流行歌曲里的弦乐四重奏

5、木管

配乐里的木管：音色与情感

6、铜管

爵士铜管写作范例：4 ways close

7、打击乐

配乐中打击乐的点缀作用

8、合成音色

合成音色的氛围作用

9、简单混音

利用混响和摆位制造空间感

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接下来是本篇的正文，从我之前一个回答中再次总结：

音乐制作到底学的是什么，有什么内容？相信大家会很好奇，总结来说会有两大板块：

第一个板块：传统理论

这个部分是大家熟知的和声学、曲式、对位法、配器法作曲四大件，也有旋律写作、动机发展、乐器演奏等跟四大件一样不可或缺的训练。

这些技能和知识获得途径有许多，无论是在学院里学，还是跟老师学习，甚至看视频碎片化学习都可以。但具体的知识并不是学习传统理论的重点，你真正需要的是建立一个体系，通过这个体系来吸收具体的知识，分析其他的作品，形成自己的创作思路和逻辑，真正服务于写作和制作实践，而不是仅仅“学了几招”。

碎片化不成体系的知识积累，在本站的众多提问、作品求点评中的体现，就是写出来的作品不完整，发展缺乏逻辑写到哪是哪，整体显得混乱和拼凑，只见树木不见森林。光是掌握好听的声部排列是不够的，节奏律动的设计、织体的设计、结构的设计、旋律的设计等等都会影响作品的质量，有时候不需要复杂的声部，仅仅两个声部，只要它是设计得当，符合情境，一样会有好的效果。

这个板块里的知识，应该是同步学习的，是作为一个整体，进入到具体作品中来研究的。因此应该是先有写作，写真实的音乐作品，再回头查看具体知识，互相印证，再重点学习某一个技法和手法，而不是去每一个板块学定义然后刷习题。

除了建立分析体系，还需要建立审美，知道什么是恰当的，什么是不恰当的，如何把握风格。体系的建立和审美的建立都需要有老师来指导反馈，在这两样东西没建立之前是不建议自学的，据我所见除了万中无一的天才，开始阶段就自学的人往往都无法达到目标而充满挫折感。当这些底层逻辑都掌握之后，所有和声技法、配器手法、发展方法都躺在浪漫主义/印象派/现代配乐大师作曲家总谱里录音里，哪怕是碎片化知识的视频，你吸收起来都会特别快。学习的重点是切入的角度、结构音乐的思路，是模仿老师的思维逻辑，他如何一步步构建，他从哪里找到/想到这些线索。

第二个板块：制作技术

时代和科技的发展，到今天作品要呈现到客户和受众面前都会要求有一个基本的成品，因此过去拿套仅仅用乐谱的方式是不够的，我们需要用技术来出一个样品，因此Demo的质感会直接影响到你作品能不能走到你朋友圈之外。

在电脑的宿主（DAW）上面制作，其实是将作品演绎由你一手包办。这个过程需要掌握：

-熟悉DAW的操作：使自己的工作流程更流畅，不会因为技术问题而被打断思路。这方面网上有大量的资源帮助你熟悉

-音源音色的选择：用哪种音源能获得你想要的声音，你对音源的熟悉程度

-音源的调教：如何使用现代音源模拟真实的乐器，各种的控制器曲线怎么画才能贴近自然真实的演绎

-midi的编辑技术：怎么修改midi音符能得到更好的效果，如何进行人性化的录制或者调整，当效果不理想时应该做哪些妥协来接近目标等等

-混音和后期制作：了解如何重现贴近现实的声场，做好作品里的均衡获得良好的听感，进一步的有设计特殊的效果增色，创意性的混音获得与众不同的个性

这个板块是需要建立在第一个板块的基础之上的，好多人对自己的作品不满意，于是拼命在这个板块努力，实际上是被写作拖了后腿。只要写作的部分质量过硬，哪怕制作技术不顶尖，呈现的效果下限是可以比较高的，所以不要掉进这个思维陷阱，想着用精良的制作来掩盖作品的不足。